Die Verzückung der hl. Teresa von Avila, Bernini,in Santa Maria della Vittoria, Rom

„Unmittelbar neben mir sah ich einen Engel in vollkommener körperlicher Gestalt. Der Engel war eher klein als groß, sehr schön, und sein Antlitz leuchtete in solchem Glanz, daß er zu jenen Engeln gehören mußte, die ganz vom Feuer göttlicher Liebe durchleuchtet sind; es müssen jene sein, die man Seraphe nennt. In der Hand des Engels sah ich einen langen goldenen Pfeil mit Feuer an der Spitze. Es schien mir, als stieße er ihn mehrmals in mein Herz, ich fühlte, wie das Eisen mein Innerstes durchdrang, und als er ihn herauszog, war mir, als nähme er mein Herz mit, und ich blieb erfüllt von flammender Liebe zu Gott. Der Schmerz war so stark, daß ich klagend aufschrie. Doch zugleich empfand ich eine so unendliche Süße, daß ich dem Schmerz ewige Dauer wünschte. Es war nicht körperlicher, sondern seelischer Schmerz, trotzdem er bis zu einem gewissen Grade auch auf den Körper gewirkt hat; süßeste Liebkosung, die der Seele von Gott werden kann.“ (Autobiografie)

Die Wiege des deutschen Oratoriums ist Leipzig, dank Johan Sebastian Bach bekannt in aller Welt. Heike Henning, die Spezialistin für außergewöhnliche Opern- und  Tanzinszenierungen holt das Oratorium mit Händel und Scarlatti über Halle wieder nach Leipzig zurück – als Film. Am 8. Juni 2010 erstmalig zu den Händel Festspielen in Halle (Saale) zu sehen, konnte das Leipziger Publikum das Oratorium ihr genreübergreifendes Ensemble HEIKE HENNIG & Co mit internationaler Besetzung am Sonntag, den 15. Mai als Film im Centraltheater erleben.

Es war eine Anbetung (Oratorium vom lateinischen orare, beten). Und ein Ausbruch aus der Form, eine Dekonstruktion des ursprünglich kirchlichen, geistlich nur in Text und Musik dargebotenen Genres. Es ist eine grenzüberschreitende Erfahrung, wenn eine Choreografin dem Dirigenten des Barockorchesters Wolfgang Katschner das Tanzen beibringt, der Countertenor Yosomeh Adjei auf  Breakdance-Erfahrungen aus seiner Jugend zurückgreift,dazu die Leipziger Soundkünstlerin CFM den Sound macht  oder die Streicherinnen nicht genug davon bekommen, mit den 10 Tänzern/Sängern auf die Bühne zu stürmen. Es hieß nämlich erst: „Das schaffst Du nie!“
Abgesehen von der ungewöhnlichen szenischen Präsenz ausnahmslos aller fast 30 Mitspieler, war jede Einzeldarstellung an Professionalität kaum zu überbieten. Jeder Protagonist hatte seinen Part – die Rolle seines Bühnendaseins als Geliebte(r), Extatische(r), Hungrig(e), Verdorbene(r), Vergebende(r) … als Maria XXX.

Das Objekt der Anbetung:

Wer ist Maria XXX? Maria ist eine schon lang studierte Liebe der Choreografin: „Mein Thema ist die ätherische Kontur vergeistigter Musik – und der Leib. Ich bin hinter der Grenze aufgewachsen, ich wollte sie schon immer aufbrechen … Hierarchien aufbrechen.“ Sie interessierte sich schon lange für die Geschichte der Maria. Die Figur der Jungfrau und Gottesmutter Maria ist im Laufe der abendländischen Kulturgeschichte zur Symbolfigur und Projektionsfläche von Weiblichkeitsvorstellungen avanciert. In der Aufführung hat sich die Choreografin also ganz konsequent für folgende Deutung des Namens nach dem Hebräischen entschieden: die Widerspenstige.

Dazu die Frontalskulptur aus weißem Carraramarmorvon Bernini, geschaffen Mitte des 17. Jahrhunderts, über die ganze Wand.  Die heilige Theresia im Augenblick ihrer Vision, bei der ihr ein Engel mit dem Pfeil der göttlichen Liebe das Herz durchbohrt. Face to face. Der Gerichtsmediziner und Sexualforscher Richard von Krafft-Ebing führte das Werk in seiner Psychopathia sexualis als Beispiel für die „oft konstatierte Verwandtschaft von Religion, Wollust und Grausamkeit“ an. (Krafft-Ebing, Fuchs Psychopathia Sexualis, 14. Auflage, S. 10)

Marienkantaten und -arien von Händel und Alessandro Scarlatti bieten das Material für das Fest der Sinne. Das Barockorchester LAUTTEN COMPAGNEY Berlin und die Soundkünstlerin DJ CFM transportieren die Vorstellung in die Wirklichkeit der Bühne. Körper. Stimmen. Licht. Töne. Füße tanzen nackt auf dem unberührt-weißen Untergrund, Drehung, Biegung, Berührung, Faltenwurf, Dynamik  von Körpern a lá Michelangelo. Der Film vonHagen Wiel fasst die Dichte dieses Bühnen-Ereignisses in eindringlichen Bildern zusammen, ein eigenständiges Kunstwerk, keine Dokumentation, der Live-Mitschnitt an drei Drehtagen mit sechs Kameras aus neun Perspektiven.

Es war eine große Herausforderung für die Choreografin: „So viele Körper auf der Bühne, das war wichtig für mich als Künstlerin.“ Jetzt ist sie auch sehr glücklich mit „nur“ drei Künstlern und einem Wagnerstück. Das sei etwas einfacher: Am 20. Mai zu den Wagner-Festtagen im Hotel de Pologne in Leipzig.

Weitere Informationen

Foto: Foto_Wikipedia_CC-2,0_Flickr

Mit diesen wenigen Worten läßt sich die gestrige Vorstellung „Die Zauberflöte“ unter der Regie von Michael Höppner umschreiben. Nach Wikipedia ist diese Mozart-Oper „leicht zugänglich …“, daher „wird sie gelegentlich so inszeniert, daß sie sich ganz gezielt an jugendliche Zuschauer wendet.“ Auf diese Weise kann man sehr wohl Jugendliche, aber hier besonders Kinder für die theatralischen Inszenierungen begeistern, sei es in der Oper oder wie im gestrigen Falle für das Theater.

Jedes Jahr, einige Wochen vor dem Weihnachtsfest, werden in Leipzig im Centraltheater für Kinder, unter die sich manche Jugendliche mischen, entsprechende Werke inszeniert und aufgeführt. Zum Glück für die Kinder sind solche Inszenierungen meist so gestaltet, daß die Kinder nicht als Deppen betrachtet werden, denen man mit erhobenem Zeigefinger theaterpädagogisch daherkommt.

Die Inszenierung zeichnete sich erst einmal durch ein sehr gut durchdachtes und ausgeführtes Bühnenbild aus; auch die Kostüme, besonders das des Papageno, waren sehr gut gelungen.

Auch daß die Schauspielerinnen und Schauspieler (besonders Andrej Kaminsky, Raimund Widra und – Hanna Werth) sehr gut singen können, machte diese Veranstaltung neben einem Augen- auch zu einem Ohrengenuß.

Die Geschichte dreht sich um Liebe und Haß, Loyalität und Verrat, also die üblichen Plagen der Menschheit, letztendlich geht um das Gute und das Böse, wobei das Verhältnis beider zueinander so was von relativ ist, daß man es vernachlässigen sollte. Schon Max Stirner brachte es auf den Punkt: „Was gut, was böse! Ich bin ja selber Meine Sache, und Ich bin weder gut noch böse. Beides hat für Mich keinen Sinn.“ Denn diejenigen, die scheinbar böse sind oder dafür gehalten werden, sind die „Guten“ und umgekehrt.

Zu Beginn der Aufführung tritt Monostatos (Andrej Kaminsky) auf und gibt Erläuterungen, stottender Weise, zur Oper als solche ab. Da hie und da ein Kind laut spricht, „verbittet“ er sich solche Unterbrechungen und warnt mit einer großen Beruhigungspille. Vor ihm im Graben sitzt ein junger Mann im Frack mit zwei Becken in den Händen und wartet darauf, diese aneinander schlagen zu dürfen, kommt jedoch nicht zum Einsatz.

Plötzlich taucht ein Drache auf, der ihn beinahe verspeist (auch eine Möglichkeit, Personalprobleme zu lösen). „Befreit“ wird er von der Königin der Nacht (Barbara Trommer), die den jungen Mann – zufällig stellt sich heraus, daß er ein Prinz ist (wir wundern uns nicht!) und Tamino heißt (Benjamin Lillie) –, ins Reich des Sarastro (Dieter Jaßlauk) schickt, um ihre Tochter (Carolin Haupt), selbstredend eine Prinzessin, zurückzuholen samt einen Schatz, der viel Macht verleiht. So wie die Königin diesen Mann, diesen Sarastro, beschreibt, scheint er der Böse in dieser ganzen Geschichte zu sein. Daß dies sich als Irrtum, ja als absichtliche Denunziation herausstellt, erfahren wir später. (Ein interessanter Hinweis darauf, daß man sich nicht vom ersten Schein beeindrucken lassen sollte, ist doch dieser – philosophisch ausgedrückt – die Umkehrung, das Gegenteil des Wesens.)

Begleitet wird Tamino von Papageno (Raimund Widra), halb Vogel, halb Mensch, der nur eines will: genießen, nämlich Wein, Weib und Gesang (daher ungeeignet, die späteren Prüfungen zu bestehen, die nur ein guter Prinz bestehen kann – wir wundern uns wieder!).

Wenn wir uns die einzelnen Figuren betrachten, konnten besonders dank ihrer Rolle nur wenige glänzen: Andrej Kaminsky, der eine Ähnlichkeit mit Nosferatu hatte (Glatze, abstehende Ohren, hoher aufgeschlagener Kragen); Papageno dank seiner Ängste, seiner Genüßlichkeit, das macht ihn besonders menschlich; die Königin der Nacht, die Tamino nur benutzt, um an den Schatz des Sarastro zu kommen. Ihr geht es weniger um die Tochter, die, wie sich später herausstellt, gar nicht entführt wurde, sondern eine Art Erziehungsaufenthalt macht, denn Sarastro versprach es dem Vater der Prinzessin, sich um sie zu kümmern. Sie sollte erst dann den Schatz erhalten, wenn sich ein Jüngling findet (besagter Prinz), der ihrer würdig ist.

Daß die anderen wie der Prinz und Papagena nicht so toll glänzen konnten, lag weniger an ihren schauspielerischen Fähigkeiten, sondern an ihren Rollen. Zwar bekommt in den meisten Fällen ein Prinz seine hübsche Prinzessin, aber gute Prinzen haben es nun mal an sich, gut zu sein. Daher weisen sie kaum Ecken und Kanten auf, man kann „diese Guten“ kaum greifen. Sie rutschen durch die Finger, als seien sie mit Öl eingeschmiert.

Auf Papagena trifft diese Einschätzung leider auch zu, dafür aber konnte sie eine Menge aus sich herausholen, als sie sang. Das war mit eines der besten Einsätze des Stückes.

Die Prinzessin liegt dazwischen. Sie war irgendwie – gut, auch ein wenig naiv (denn wie kann man sich in jemand verlieben, den man noch nicht kennt), daher die Notwendigkeit, durch Sarastro für das Leben erzogen zu werden. Sie konnte aber ab und an etwas zickig sein, eben typisch Prinzessin, und dadurch ihrer Rolle etwas Ecken und Kanten geben.

Carolin Haupt und Andrej Kaminsky

Die wohl tragischste Gestalt des Stückes ist Monostatos, daher das Beste am ganzen Stück. Seinem Aussehen nach nicht schön, liebt er die Prinzessin, die ihn aber nicht ernst nimmt. So gedenkt Monostatos auf andere Weise sich der Prinzessin zu bemächtigen. Er verrät seinen Herren an die Königin der Nacht und – verliert alles.

Diese Oper ist ein Glanzstück in diesem Jahr und beendet es erfolgreich für das Centraltheater.

Kurt W. Fleming
28. November 2010

Weitere Aufführungen: 29.11., 3., 5.-9., 12.-17., 19.-23., 26.12.2010

Fotos: R. Arnold/Centraltheater

Zeitgenössischer Tanz zählt zu den wichtigsten Kunstformen der Gegenwart. Über ihn können nicht nur verschiedene Lebenseinstellungen und Werte, sondern insbesondere aktuelle gesellschaftliche Tendenzen widergespiegelt und mit dem Publikum kommuniziert werden. Dem gegenüber steht die Tatsache, dass sich in Mitteldeutschland noch immer keine professionelle Tanzszene im Bereich des zeitgenössischen Tanzes etablieren konnte. Die Idee für das Projekt !mehrTANZ ist im Laufe der 3-jährigen Zusammenarbeit von Choreografin Irina Pauls und LTT-Geschäftsführer Ronald Schubert unter dem Dach des LTT gewachsen. Nun steht fest: Die bisher an Pauls gebundene Profi-Arbeit des LTT wird in !mehrTANZ verlagert. Initiiert aus dem LTT, soll die Initiative zukünftig Stück für Stück in die Selbständigkeit wachsen.

!mehrTANZ stützt sich auf vier konkrete Arbeitsbereiche, die Irina Pauls, Ronald Schubert, Katja Barufke und Theresa Jacobs im Austausch mit anderen Künstlern, Pädagogen und Wissenschaftlern des zeitge- nössischen Tanzes gemeinsam aufbauen: !mehrTANZ schaffen zielt auf die Ansiedlung von professionellen Tänzern und Choreografen in der Region. Dies soll über regelmäßige zeitgenössische Tanztrainings, Künstlerresidenzen sowie Eigenproduktionen erfolgen. !mehrTANZ in der Kommune hat die Aufgabe, den zeitgenössischen Tanz in alle gesellschaftlichen Ebenen zu tragen und Künstler mit Kindern, Jugendlichen, Senioren und Menschen mit Behinderung oder Migrationshintergrund zusammenzuführen.

!mehrTANZ wissen versteht sich als Schnittstelle zwischen Tanzwissen und künstlerischer Arbeit und dient der Verknüpfung beider Ebenen. Für diese drei Arbeitsbereiche ist es wichtig, einen Ort zu schaffen, an dem sich in der Region ansässige Tänzer, Choreografen und Wissenschaftler treffen und austauschen können. Dieses Ziel verfolgt der vierte Arbeitsbereich !mehrTANZ haus.

Nähere Informationen finden Sie im Internet unter www.mehrtanz.org

In einem gemeinsamen Appell haben sich der kommissarische Opernintendant Alexander von Maravic, Gewandhausdirektor Prof. Andreas Schulz und Centraltheater-Intendant Sebastian Hartmann heute an die Bürger der Stadt Leipzig gewandt. Darin richten sie sich entschieden gegen die für Dezember 2010 geplante Novellierung des sog. Kulturraumgesetzes durch den Sächsischen Landtag.

In einem Offenen Brief betonen Maravic, Schulz und Hartmann die dramatische Lage, wonach die mit der Novellierung beabsichtigte Kürzung von Mitteln in Millionenhöhe in gleicher Höhe von der Stadt an die drei großen Kultureigenbetriebe Leipzigs weitergegeben werden soll. Zugleich verweisen Sie auf die drastischen Konsequenzen, die eine Änderung des Gesetzes von der Reduzierung des künstlerischen Angebots bishin zur Schließung ganzer Sparten verursachen würde.

Die Bürger sind aufgerufen, sich in Unterschriftenlisten einzutragen, die vom sächsischen Ministerpräsidenten Tillich und dem Sächsischen Landtag fordern, die Abänderung des Kulturraumgesetzes zu verhindern. Gleichsam wird an Leipzigs Oberbürgermeister Jung und die Mitglieder des Stadtrats appelliert, die drohende Mittelkürzung abzuwenden und dauerhaft die künstlerische Vielfalt in Oper, Gewandhaus und Centraltheater zu sichern.

Die Unterschriftenlisten liegen ab sofort in allen drei Kulturstätten aus. Sie können auch hier heruntergeladen werden.

So drängelten sich gestern Abend, nachdem schon ab 20 Uhr Einlaß gewährt wurde, schon zig mehr junge Menschen besonders in den Fluren, um schnell die besten Sitzplätze zu ergattern. Das Durchkommen war sehr schwer.

Einige Fans trugen T-Shirts mit dem Namen der Gruppe; auf der Rücke dieser Bekleidungsstücke stand noch der Text “Fuck it all” – eine Zeile, die zu dem Text “Kapitulation” gehört, der auch gestern gesungen wurde.

Nicht nur das Parkett, auch der Rang war komplett ausverkauft. An der Kasse wurde man darauf aufmerksam gemacht, daß Fotografieren nicht erwünscht sei. Später konnte man aber auf einem Zettel lesen, daß Fotografieren mit Blitz nicht erwünscht sei, was aber dennoch sehr viele nicht davon abhielt, diesen doch einzusetzen.

Das Einlaßpersonal war sichtlich bemüht, Ordnung in die Unordnung zu bringen, so als viele Getränke mit hineinbringen wollten. Manche versuchten doch, Getränke reinzuschmuggeln, was aber mißlang. Später jedoch war auch dies nicht mehr beherrschbar.

Der Beginn des Konzertes war für 21 Uhr angesagt. Jedoch begann es exakt 18 Minuten später. Das Publikum nahm diese Wartezeit ruhig in Kauf, wußten sie doch, daß sie mit ihrer Musik, die sie von dieser Gruppe zu hören gewöhnt sind, entschädigt werden.

Einige wenige ZuschauerInnen plazierten sich gleich auf den Treppenstufen. Und als später der Frontman Dirk von Lowtzow in die Menge rief: “Heute ist alles erlaubt, also steht auf!”, taten das seine Fans. Und wenn man dann noch von den Musikern etwas sehen wollte, mußt man auch aufstehen. Irgendwann, es dauerte nach dieser eben genannten Aufforderung nicht sehr lange, drangen viele ZuschauerInnen von hinten nach vorne. Sie bewegten die Köpfe und den Körper rhythmisch mit. Manche gar hüpften laut und reckten geballte Fäuste nach oben.

Daß diese Geste recht häufig, auch von den Musikern, auftauchte, mag auch darin begründet liegen, daß diese Gruppe sich selbst im weitesten Sinne in das linke (auch Musik-) Spektrum einordnet.

Allein schon die oben genannte Bezeichnung “Indie” zeigt die Richtung auch dieser Band. Indie ist das Kürzel für “independence” (Unabhängigkeit), die Unabhängigkeit von den großen Plattenfirmen.

Tocotronic als Gruppe entstand Ende 1993 und stammt aus Hamburg. Sie werden der Hamburger Schule zugeordnet, eine lose Musikbewegung, die Ende der 80er sich Geltung zu verschaffen versuchte. Sie knüpft an die Neue Deutsche Welle an und verbindet Punk, Grunge und Pop miteinander. Besonderes Anliegen ist auch, den deutschsprachigen Rock zu entwickeln.

Neben ihren Konzerten mischt diese Gruppe – wie schon angedeutet – politisch mit. Besonders wendet sie sich gegen gesellschaftlich zunehmende Nationalisierungstendenzen, die in der deutschen Popkultur um sich greifen. So sah sich die Gruppe veranlaßt, auf ihrer Homepage sich von der ihnen erst im Nachhinein bekannt gewordenen Tatsache zu distanzieren, wonach der Musikvideosender mtv auf seiner Internetseite unter der überschrift “Heimatmelodien” ein Voting startete, zu dem auch die Gruppe Tocotronic mit ihrem Titel “Irritationen” gezählt wurde. Ihr Kommentar: “Wir möchten ausdrücklich darauf hinweisen, daß wir nichts, aber auch gar nichts von unserer Teilnahme an dieser höchst zweifelhaften Aktion gewußt haben und wir auch nichts von solchen heimatduseligen Lyrikwettbewerben halten. Im Gegenteil: Eine solches Voting repräsentiert so ziemlich das genaue Gegenteil der von uns propagierten Inhalte.”

Die Arrangements basieren auf einem soliden Rock, jedoch haben diese – von den Texten mal abgesehen – kaum Unterschiede. Das ist zum einen ein sehr hoher Wiedererkennungswert, andererseits – wenn man selbst guten Rock aus den Endsechziger und Siebziger Jahren gewohnt ist – wirkt es aber irgendwie “langweilig”. Aber das ist nur eine Einzelmeinung. Die gestrigen ZuschauerInnen waren echt begeistert. Und darauf kommt es wohl auch an.

Kurt W. Fleming
18.10.2008, Centraltheater

www.tocotronic.de

Wer also dem roten Faden folgte, den man in dieser kleinen und dünnen Broschüre nachlesen konnten, wird sich auf einen typisch wagnerisch-gemütlichen Abend gefreut haben. Aber vielleicht hätten einige vorab sich erkundigen sollen, daß gerade diese Oper eine von der Sorte war, mit der Wagner seine weltanschaulichen Probleme, seine Suche auszudrücken versuchte. Allein das hätte so manche – besonders manche braven, pseudo-moralistischen Leipziger Spießer mit ihrem antiquierten Wagner-Bild – vorsichtig werden lassen müssen.

Aber erst einmal ein paar Bemerkungen zu der Geschichte, wie sie ursprünglich zu sein schien: Daland (James Moellenhoff) ist mit seinem Schiff unterwegs – dabei ist dies eher ein Gewirr von kleinen Wolkenkratzern, zwischen denen sich ein Highway schlängelt. Er beauftragt seinen Steuermann (Dan Karlström), Wache zu schieben, was dieser locker ausführen möchte. Doch statt dies zu tun, bekommt er erotische Träume. Denn plötzlich taucht eine Tänzerin (Peggy Plätzer) auf, wunderschön anzusehen. Nicht nur daß sie grazil tanzt, beginnt sie, sich zu entkleiden. An heutigen deutschen Theaterstätten nichts mehr Besonderes. Der Steuermann hält in seinen Händen ein gekrümmtes Gummi, das aussieht wie ein übergroßer Penis, wohl Sinnbild seiner erotischen Träume.

Bis dahin hält das Publikum still. Ja, es gibt so manche “Spanner”, die ihre Operngläser zücken, um die Schöne näher betrachten zu können. Die Tänzerin entpuppt sich als Striptease- und Table-Tänzerin, also eine Frau, die sich “verkauft”. Daß der Spießer dagegen nicht protestiert, ist klar: denn wenn dieser eine Moral hat, dann ist sie doppelt, sprich: sie ist geheuchelt.

Während der gesamten Aufführung wird ein Video auf einer großen Leinwand geworfen, zusammengestellt von Stefan Bischoff. Am Anfang sehen wir Lichtspuren schnell rasender Autos. Dann sehen wir à la Google aus Satelliten-Perspektive diverse Städte, wobei die Bilder bis ins kleinste Detail heran gezoomt werden. Wir sehen Nachrichten des Fernsehkanals Bloomberg mit seinen Berichten von der Börse. Wenig später sehen wir zerfallene, leer stehende Häuser, eine Müllhalde mit darauf streunenden Hunden. Dann – das hätte den ersten Schock geben sollen, aber die Leipziger Spießer mucken nicht auf – sehen wir zwei Hunde, die miteinander, nein, die gegeneinander kämpfen. Sie haben sich fest ineinander verbissen, wobei ein Hund dominiert, während der andere nicht einmal mehr mit einer Unterwerfungsgeste daraus befreien kann. Und diese Filmszene wird viele Minuten lang gezeigt.

Irgend wann taucht der Holländer (James Johnson) auf, heftet sich zwei Flügel an – er ist ja auch der FLIEGENDE Holländer –, das die ZuschauerInnen zum Lachen bringt, was er mit einem Schulterzucken und Augenzwinkern quittiert, so nach dem Motto: “Was soll’s!”

Die Geschichte ist bekannt: Der Holländer bietet dem Kapitän seinen ganzen Reichtum an, wenn seine Tochter Senta (Edith Haller) ihm Treue bewahrt bis zum Tode, damit er von seinem Fluch erlöst werde.

Die Geschichte nimmt ihren weiteren Verlauf und – irgendwann taucht die Tänzerin auf und bewegt sich grazil tanzend durch die Zuschauerreihen; auch hier schweigen die schon erwähnten Spießer: manche sagen vernehmbar: “Hoffentlich kommt sie auch hier her”; und als sie dies auch tat, hört man die Bemerkung: “Ich dachte schon, ich sitze auf der falschen Seite”.

Aber nach diesem Spiel – es ist die Szene, als Daland und der Holländer singen – erscheinen auf der Leinwand Bilder von getöteten oder halbtoten Rindern, wie sie aus einem Container entleert, mit Wasser überspritzt, dann an den Hinterbeinen hochgehievt und abtransportiert werden. Diese Bilder wiederholen sich und dann – der plötzliche Aufschrei magenempfindlicher Spießer. Sie rufen: “Genug damit!”, “Weg mit diesen Bildern!” usw. Denn wir alle sehen, wie ein Metzger mit einem Hammer gegen den Kopf einer Kuh schlägt, um sie auf diese Art und Weise zu töten.

Zugegeben: das sind Bilder, die niemand unberührt lassen. Daher diese Buh-Rufe, aber auch zum Glück solche, die da rufen: “Wenn es euch nicht gefällt, dann geht doch!” oder “Ruhe!”

Wenn man sich dieses Spektakel näher betrachtet, fällt so einiges auf:

• Die Buh-Rufer haben kein Problem, wenn in Gestalt der Tänzerin eine Frau ihren Körper verkauft, um männlichen Gelüsten zu genügen.
• Sie haben kein Problem, als die Szene mit den beiden Hunden gezeigt wird, wo der eine den anderen fast tot beißt.
• Die Buh-Rufer kümmern sich mit Sicherheit nicht darum, wie das Fleisch der Rinder in die Kühltruhen von Discount-Läden gelangt, also wie diese Tiere tatsächlich zu Tode kommen.

Diese Buh-Rufer entrüsten sich immer an der Stelle, wo sie sich selbst verraten, sprich: wo ihre doppelbödige Moralität durch alle ihre Poren strömt trotz ihrer feinen Gewänder, die sie sich anlegten, als sie zur Oper eilten, um einen gemütlichen Abend zu genießen.

Sie hätten sich übrigens auch darüber informieren sollen, daß es Michael von zur Mühlen ist, der diese Oper inszenierte. Wie Sebastian Hartmann vom Central-Theater schockiert und polarisiert, zumindest ist das sein Anliegen, so tut dies auch von zur Mühlen. Und er tut dies mit brachialer Gewalt. Es wundert nicht, wenn er zu scheinbar obskuren Mitteln greift, um seine Interpretation des durch ihn flügge gewordenen Holländer in Szene zu setzen:

Am Anfang der Männer-Chor: die Männer entledigen sich ihrer Hemden und malträtieren sich – wie christliche und muslimische Gläubige – mit dem Schlips, indem sie diesen auf ihren Rücken schlagen. (Man fragt sich zwischendurch, wer später diese Hemden wegräumen wird.)

Als der Frauen-Chor auftritt und Senta ihre große Stunde hat, bewegt auch sie sich – über die Sitzreihen hinweg – singend durch das Publikum. Und dann – der nächste Schocker für die übersensibelten und heuchelnden Spießer – holt sie einen Eimer, der schon andeutet, was aus ihm fließen wird: Theaterblut. Mit diesem beschmiert Senta die Hemden und zieht sich einige davon an. (Man fragt sich zwischendurch, wie sie das Blut an ihre Händen wieder los wird.)

Doch die Antwort zeigt sich schnell am Beispiel einer auf die Bühne gezogenen Duschkabine, in die Senta verschwindet, während ihr Verlobter Erik (Michael Baba) versucht, ihr dorthin zu folgen, was Senta ihm aber verwehrt. Erst als sie diese verläßt, steigt er hinein, behält aber seine Unterwäsche an und duscht sich in dieser. Das wird mit viel Gelächter quittiert. Die Spießer genießen diesen Anblick. Man darf dreimal raten, warum!

Irgendwann taucht dann noch des Holländers Mannschaft auf, die sich mit einer undefinierbaren schmierigen Flüssigkeit übergießt, anschließend das gesamte Bühnenbild (Natascha von Steiger) zerschlägt, und auf der großen Leinwand sehen wir, wie diese wild gewordene Horde durch die Oper rennt, gipserne Büsten zerschlägt, auf den Platz vor die Oper rennt und ein Auto abfackelt. Dann stürmen sie in ein Kaufhaus, plündern es, werfen alles durcheinander, zertrümmern Fernsehapparate, um zuguterletzt den Leipziger Hauptbahnhof zu stürmen – und alles unter den Augen von mitgefilmten Gaffern, die nicht wissen, was da eigentlich passiert.

Wenn man sich nun diesen Abend, diese Inszenierung Revue passieren läßt, so kann man dazu stehen wie man will – manche Spießer buhten ja nicht nur, einige wenige davon verließen entrüstet den Zuschauerraum und warfen noch zudem die Tüten laut ins Schloß, was wiederum viele zum Lachen und zum Kopfschütteln brachte.

Andere klatschten zwischendrin Beifall, um ihr Gefallen mit der einen oder anderen Szene auszudrücken.

Jetzt stellt sich noch die Frage, warum die meisten entrüsteten Spießer blieben. Da gibt es zwei Antworten, die irgendwie zusammen gehören: erstens haben sie eine Menge Geld bezahlt, um zu genießen; zweitens, weil aus diesem Genuß nichts wurde, hoben sie ihre Empörung auf, um diese zum einen (warum auch immer) James Johnson ins Gesicht zu schleudern. (Er war der einzige Künstler, der von einigen ausgebuht wurde.) Und zum anderen eben – Michael von zur Mühlen, der dann noch provokativ seine linke Hand ans linke Ohr hielt, so als wolle er das Buhen und Meckern besser hören.

Sicherlich: je nach Neigung mag man dieses und jenes. Die einen, die hier die Spießer geheißen wurden, wollten eine klassische Darbietung: eine tolle Abenteuergeschichte mit “schöner” Wagner-Musik. Die anderen, die frenetisch Beifall spendeten, liebten diese Provokation.

Jetzt bleibt noch die Frage offen, ob z.B. einige Szenen (besonders die Video-Sequenzen) aus der Inszenierung herausgenommen werden. Wir können nur hoffen, daß – nicht!

Kurt W. Fleming, 11. Oktober 2008
Oper Leipzig

Fotos: Andreas Birkigt